23 de junio de 2017

Ensayos audiovisuales

Ayer di una conferencia dentro del curso denominado Dispositivo Vórtice, coordinado por Dalia de la Rosa y Eduardo G. Rojas en el TEA, titulada crítica y ensayo cinematográficos. 
La verdad es que no sé demasiado sobre este tema, por lo que opté por explicar cómo he afrontado mis trabajos, las fuentes que he usado, así como los libros recientes y las revistas que me interesan, entre ellas caimán cuadernos de cine y las digitales transit y Lola, Como saben, no trabajo en la docencia y muchas veces he ido avanzando en mis investigaciones gracias a los encargos que me han ido haciendo, tanto artículos como charlas. Además me apeteció mucho dar esta conferencia porque pude indagar en un nuevo tipo de análisis cinematográfico que me parece fundamental hoy en día, el audiovisual. Ya había visto algunos de los estupendos ensayos que ha realizado Cristina Álvarez López en solitario y junto a Adrian Martin -a quienes ya seguía y sigo gracias a su trabajo escrito-, pero ahora, además de ver casi todos los de estos autores, he descubierto otros que también me parecen estupendos. Antes de seguir, tengo que mencionarles a los no iniciados e este tema el fundamental artículo «Reflexiones en torno al ensayo aydiovisual» escrito por Manu Yáñez, quien -como siempre- es capaz de establece unas bases para la sistematización y el estudio de estos ensayos. Ayer les llevé a los alumnos varios, entre ellos, Las variaciones Melville y [De Palma's] VISION sobre los directores Jean-Pierre Melville y Brian de Palma respectivamente, ambos de Adrian Martin y Cristina Álvarez Lopez; Tonight the Night is Ours, una "canción ilustrada" de Roberto Amaba; el espectacular Transformers: The Premake de Kevin B. Lee que incluso ha competido en varios festivales en la sección de cortometrajes, por último, les enseñé el bellísimo y muy interesante para estudiar las relaciones entre cine y ciudad, Genius loci, spirit of place de José Manuel López y Covadonga G. Lahera. Desde aquí les animo a que continúen investigando, aprendiendo y disfrutando con estos ensayos e incluso que se animen a realizar alguno.

2 de junio de 2017

Crítica a Panorámicas urbanas

Captura de pantalla del blog de Pepe Aracil
Ayer apareció en el blog Pienso mesa, digo silla -me imagino que homenajeando a Gloria Fuertes- de Pepe Aracil, una muy elogiosa y cariñosa reseña sobre Panorámicas urbanas. Como él mismo empieza diciendo, no nos conocemos personalmente y debo confesar que tampoco conocía su blog, sin embargo, él menciona mis libros anteriores. Siempre me ha desconcertado y molestado no conocer a quien me ha seguido y leído; es obvio que cuando alguien está escribiendo un texto no piensa en sus posibles lectores, o al menos eso lo que me sucede a mí, por eso, cuando ya se ha publicado, sorprenden este tipo de comentarios y se agradecen muchísimo, sobre todo, cuando contienen observaciones críticas que ayuden a reflexionar y mejorar. En este caso, la crítica es la siguiente: 
«Como lo cortés no quita lo valiente, he de confesar que pese a todo, la sensación que me ha dejado el libro ha sido un pelín agridulce. Me explico. Por un lado, el tema me parece fascinante; la selección de películas, intachable (de las 50 he visto aproximadamente dos tercios, porcentaje suficiente para poder decir que están muy bien elegidas); los criterios utilizados, totalmente válidos, pero… me ha faltado algo. No sé bien explicar qué es. A veces me daba la impresión de que el libro había sido escrito con cierta prisa… o tal vez sea que es realmente difícil escribir 50 fichas de tres páginas cada una sin repetirse en ciertos aspectos. Quizá simplemente sea que el autor ha escrito ya tanto -y he leído tanto- sobre muchas de estas películas que he echado a faltar ciertas sorpresa y entusiasmo que sí me habían transmitido otros libros del autor. Aunque mirándolo desde otro punto de vista, tal vez todo esto sea cierto, pero el problema esté en mí como lector. Un libro de estas características no debe ser leído del tirón, como un ensayo. Quizá esté escrito para ser leído a saltos, dejándose llevar por la intuición o por las preferencias de cada momento. Tampoco hay que olvidar que el libro está editado en una colección de textos universitarios y lo que prima aquí es la información, la objetividad, la exposición correcta del tema y el buen uso de la bibliografía, y en todos esos aspectos, no hay nada que reprocharle». 
Creo que tiene razón en la mayoría de lo que dice, pero quiero aclarar un par de aspectos, puedo asegurar y mis editores lo corroborarán, que desgraciadamente el libro no se escribió con prisa y que la entrega del original se demoró más de lo deseable; en cuanto a las «fichas» de las películas, seguí el mismo orden en todas -lo que puede ser un lastre si se lee el libro de principio a fin-, para que sirvieran para estudiar las relaciones entre ciudad y cine; respecto a las repeticiones, a veces son inevitables, hay aspectos que siempre se han de tratar y se debe escribir también para muchos lectores que no han leído mis textos anteriores. De todos modos, como decía antes, Aracil tiene razón, tomo nota, y por eso le agradezco muchísimo tanto sus elogios, como sus críticas.

27 de mayo de 2017

Ponencias y comunicaciones de Escenarios del Cine Histórico

Cubierta de la publicación
El 9 de septiembre del año pasado publiqué en este blog una entrada titulada «Escenarios del Cine Histórico» en el que hablaba del V Congreso de Historia y Cine que se celebró en el campus de Getafe de la Universidad Carlos III de Madrid, patrocinado por un Proyecto de Investigación I+D+i del Ministerio de Economía y Competitividad, del Gobierno, organizado por la mencionada universidad, las de Santiago de Compostela y Barcelona, Centre d'Investigacions Film-Historia, ICyT, UC3M Campus Excelencia Internacional y el Comité Español de Historia del Arte. Un congreso en el que, como decía en esa entrada, la profesora Gloria Camarero realizó perfectamente la difícil labor de coordinarlo. Hace unos días me ha llegado la publicación que se ha hecho con todas sus ponencias y comunicaciones, recogidas dentro de un curioso y casi enigmático "pendrive". Mi ponencia, que clausuró el congreso, se titula «Escenarios arquitectónicos: Entre lo real y la ficción», y la he guardado en el portal Academia, donde ya hay otros artículos míos, estando a disposición de quien desee consultarla.

12 de mayo de 2017

Arq[in]FILM 2017

El año pasado mencioné en este blog a la segunda edición de Arqu[in]FILM, la tercera edición de esta Muestra de Cine de Arquitectura se celebrará este año en Barcelona desde al 19 al 21 de mayo próximos, organizada por Ojo Cónico, en colaboración con ArquinFAD y la Filmoteca de Catalunya, donde se realizarán todas las proyecciones y actividades paralelas.
Los organizadores explican en un texto sus intenciones: «En la presente edición de Arqu[in]FILM pretendemos homenajear a figuras relevantes de la arquitectura y el urbanismo cuyo trabajo, en ocasiones, es menos conocido que el impacto del mismo. Quizás ha sido su condición de mujer lo que les ha impedido gozar del prestigio laboral que les correspondía. Esta edición es por tanto un homenaje a ellas, figuras públicas o anónimas, que contribuyen con su urbanidad y su humanidad a hacer nuestro entorno más habitable. Es también una celebración del máximo galardón de la arquitectura, el premio Pritzker entregado este año a los olotenses RCR. En esta ocasión, a sus tres integrantes por igual».
El programa es el siguiente:
Viernes, 19 de mayo. El cortometraje Moments de silenci, dirigido por Júlia de Balle e Hisao Suzuki; estreno mundial y «presentación en exclusiva de la edición preparada con motivo del premio Pritzker de esta narración sensorial del trabajo del estudio RCR»; y después el largometraje Citizen Lambert: Jeanne d'Architecture, dirigida por Teri Wehn-Damisch una «incursión única en el universo de Phyllis Lambert, una de las arquitectas más influyentes en la historia de la arquitectura moderna. Escritora, comisaria, activista, militante urbana, profesora, mecenas y fundadora del Centro Canadiense de Arquitectura (CCA) en Montreal. Retrato de la vida pública y la esfera más íntima de la responsable de asignarle a Mies Van der Rohe el encargo para el edificio Seagram. Mediante este retrato complejo se desgrana la figura de una visionaria llena de ideas, de una mujer combativa dotada de una sana ambición, de una mente libre, que recibió el León de Oro a la trayectoria vital en la Bienal de Venecia de 2014».
Sábado, 20 de mayo. Women are Heroes, dirigida por JR, «esta película se ha rodado alrededor de todo el mundo, particularmente en Brasil, India, Kenia y Camboya. Se inicia en las favelas de Brasil, donde reconocemos los carteles enormes de JR y las reacciones que provocan en las mujeres. Después, en el India, donde se descubre la mujer atrapada entre las costumbres tradicionales y modernos. A continuación, Kenia, donde, una vez más, las mujeres tienen que vivir de una forma más caótica e inestable. Finalmente, en Camboya, nos enfrentaremos a la violencia de la expropiación violenta ultra contra los hogares encabezados por un sistema matriarcal que los intentos de hacer frente de los gigantes inmobiliarios... Cada mujer a la película nos sorprende con su coraje y fe»; la presentación correrá a cargo de Ethel Barahona Pohl de dpr-Bacelona.
Domingo, 21 de mayo. Citizen Jane: Battle for the City, dirigida por Matt Tyrnauer, «en 1960, el análisis de las consecuencias del planeamiento moderno y su reconfiguración del espacio urbano, presentado en el libro de Jane Jacobs Muerte y vida de las grandes ciudades, consternó a arquitectos y urbanistas. Jacobs era una activista involucrada en muchas de las luchas de la Nueva York de mediados del siglo XX para detener la acción del todopoderoso Robert Moses sobre la ciudad. Esta película narra las batallas ciudadanas, encarnadas por Jacobs y Moses, en un momento en que la urbanización se sitúa en el centro de la agenda global. En los clarividentes escritos de Jacobs se pueden encontrar pistas para la formulación de soluciones a la enorme diversidad de situaciones urbanas; asimismo, la observación cuidadosa de sus visiones sobre la ciudad está a la orden del día. Este documental pretende examinar la ciudad contemporánea a través de la mirada de una de sus mayores defensoras»; cuando finalice esta película, se celebrará una mesa redonda, titulada Urbanismo y conflicto, coordinada por Laia Grau, arquitecta, urbanista, y comisaria.
No se debe dejar de mencionar que todas estas películas se estrenan en España.
El año pasado acabé le entrada sobre esta muestra con el siguiente párrafo: «Esperemos que esta segunda muestra tenga tanto éxito como la primera y. ya saben, si están en Barcelona en esas fechas, no duden en acercarse a la Filmoteca y al Pabellón, porque seguro que merecerá la pena». Este año sólo hay que eliminar la palabra Pabellón, ya que allí no se van a celebrar proyecciones, pero los deseos y el contenido se pueden repetir, deseando además que continúe durante muchos años e incluso que se vaya ampliando, hasta quizás convertirse en un gran festival de cine y arquitectura.

4 de mayo de 2017

Panorámicas urbanas en Dirigido por...

Eduardo Guillot publicó hace unas semanas en facebook una imagen de la página del número de febrero de la revista Dirigido por..., dedicada a las reseñas de libros, con las correspondientes a tres editados por la UOC: Panorámicas urbanas, Imágenes de tinta de Almudena Muñoz y Sueños eléctricos del propio Guillot, escritas por Quim Casas. Reproduzco a continuación la primera parte de esa reseña en la que se refiere a Panorámicas urbanas:
«La colección Filmografías esenciales de la editorial UOC propone otros tres recorridos no tanto por géneros como por espacios o formas de hacer cine. Los primeros tres volúmenes versaban sobre el cine del Oeste, el político y el de fantasmas. Las tres nuevas entregas analizan la relación entre un film y la ciudad donde acontece la acción, el siempre complejo tema de la adaptación literaria y la forma en que el cine ha reflejado la cultura popular del rock». 
«Jorge Gorostiza, director de la Filmoteca Canaria entre 2000 y 2005 y autor de libros sobre David Cronenberg y Peter Greenaway, es doctor en Arquitectura y urbanista. Así que su campo de ensayo es claro. Ya ha dedicado diversos volúmenes al tema arquitectónico, más allá incluso del trabajo específico de los directores artísticos, y en Panorámicas urbanas parte de dos tipologías claras, la ciudad real y la ciudad inventada en el cine de ficción e imagen real, para establecer un discurso en horizontal y en vertical sobre cómo las películas aprovechan, representan, construyen, y reconstruyen el lugar urbano en el que acontecen las historias, haciendo de él un personaje fundamental o protagonista de excepción, no un simple espacio que el espectador puede reconocer y que tiene o tal cualidad fotogénica. De las ciudades inventadas de Amanecer, Playtime o El show de Truman, a las ciudades reales, pero tratadas según el prisma de cineastas equidistantes, de M, Alemania año cero, Hiroshima mon amour, Taxi Driver o Lost in Translation. Interiores y exteriores, lugares de paso o que son absorbidos por los personajes en sus respectivas peripecias, encuadres y construcciones: una apasionante fusión entre el cine como arquitectura de la ficción y la arquitectura urbana como tema cinematográfico por sí mismo».
Esta es la reseña de Quim Casas y aprovecho para recomendar el resto de libros de la colección Filmografías esenciales editado por la UOC y que sigue aumentando con nuevos temas.

28 de abril de 2017

Gil Parrondo, entrevista de 1989

Hace unos meses publiqué una entrada sobre el fallecimiento del gran Gil Parrondo, ya había publicado otra entrada sobre él a raíz del homenaje que le hicieron en Almería y también otra con una entrevista que le hicieron en 1971, ahora revisando papeles sobre dirección artística, he encontrado una fotocopia de una entrevista que le hizo otro grande, Enrique Herreros, para el ABC en 1989 en Canadá, porque Gil estaba en el Jurado del festival de cine de Montreal, que presidía Leslie Caron. Me parece que es un diálogo interesante y por eso lo reproduzco entero a continuación:

-¿Cuál es la función del director artístico en un rodaje?
-Es como llamábamos antes al decorador. Después, no recuerdo si en Inglaterra o en los Estados Unidos, lo empezaron a llamar director artístico. Al principio se trataba de diseñar los decorados que se levantaban en los "platós" del estudio. Años más tarde se empezó a localizar en exteriores. Los avances técnicos comenzaron a permitir rodar cosas que antes eran imposibles de filmar. Desde ese momento ya no se trataba sólo de diseñar, ambientar y hacer los decorados. Cuando llegó el color se nos empezó a encomendar la entonación de los colores. Y creo que con estos cambios nació el "título" de director artístico.
-¿Qué rodaje recuerda más terrible?
-Eso es muy difícil de concretar. Todos tienen sus complicaciones. Rodar con tanta gente en un espacio de terreno bastante limitado representa muchas complicaciones. Pero, posiblemente, las películas de época sean las más difíciles de localizar. Buscar el sitio más adecuado con él argumento y,procurar edificar lo menos posible, para ahorrar.
-¿Con qué director, ha trabajado mejor?
- He tenido mucha suerte en llevarme bien con los que he trabajado. Pero echo mucho de menos a Franklin J. Schaffner, con quien he rodado seis películas. Me entendía con él muy bien, profesionalmente hablando; pero además éramos muy buenos amigos. Me he llevado un gran disgusto al saber que había muerto.:
-Gil Parrondo tiene dos Óscar por la dirección artística de Patton (1970) y de Nicolás y Alejandra (1971) ¿Dónde los tiene?
-Los tengo en casa, en la madrileña plaza del Conde de Valle-Súchil, en un mueble castellano sencillo pero interesantísimo que encontré en Segovia hace muchísimos años; pero a su alrededor conservo también mis premios españoles, como son los del Sindicato y los del CEC. Están todos juntos. Eso sí, los miro todos los días cuando estoy en Madrid.
-¿Era difícil rodar con Orson Welles?
- Sí, era muy difícil. Pero fue un honor para mí. La película que hice con Welles fue Mr. Arkadin, que no es precisamente una de sus más famosas. Pero era muy interesante, desde el punto de vista de la decoración, escuchar sus opiniones y reacciones ante los decorados. Orson tenía una concepción de las cosas absolutamente personal que no se parecía a nada, ni a nadie.
-¿Localizó usted la versión de Don Quijote que preparaba Welles en España?
-No, pero muchas veces hablamos del proyecto durante los innumerables viajes que él hizo a nuestro país para ultimar ese sueño que nunca pudo hacer realidad.
-¿Como se las arregla con las antenas de TV, cuando rueda exteriores de época?
-Ese es un trabajo muy pesado. Cuando no se pueden quitar, ni desmontar, hay que taparlas corno se pueda. Muchas veces las intentamos camuflar. Pero siempre sale una persona rara que no quiere que se la quiten, ni se la tapen. Entonces se complica todo el rodaje. Nos tenemos que multiplicar para ocultarla a la cámara. Normalmente las personas que más protestan son esas viejecitas que viven en las buhardillas y se ponen muy tercas cuando aparecemos, ya que piensan que se las vamos a robar.
-¿Cuáles son los medios más corrientes de camuflaje?
-Si hay posibilidad, lo mejor es hacerlo con los árboles. Las ramas representan el mejor medio para unir la línea arquitectónica y no perder la composición con la cámara. 
-¿Cómo se compatibiliza la precipitación inherente al rodaje y |a meticulosidad de su trabajo?
-Cuando no tenemos tiempo suficiente hay que rodar como se puede. Pero el cine americano es el que proporciona más medios, y muchas veces no. significa sólo el dinero que aportan, sino el concepto que tienen del trabajo porque lo llevan todo muy organizado.
-Del Gil Parrondo de Jeromín a este otro que está en Montreal hay por medio muchos años recorridos. ¿Qué recuerda, más allá de los premios?
-¡Un momento, los premios son lo más importante en la vida! Quien diga que no le importa recibir un premio, creo yo que le debe ocurrir algo raro. Pero, profesionalmente, he vivido momentos muy importantes, como conocer a muchas personas de las que he aprendido muchas cosas. El cine me ha dado ese tesoro.
-¿Cuál ha sido la transformación más complicada que ha hecho en un decorado?
-Todas lo son. He hecho tantas que es muy difícil recordar una sola. Posiblemente, alguna que hice en Budapest o en Almería; sinceramente, no lo puedo recordar.
-¿Qué es más difícil, recrear Moscú en Madrid o convertir Casa-Antúnez (Barcelona) en un barrio de La Habana de 1920?
-Más o menos es lo mismo. Pero en Casa-Antúnez se contaba con ciertos elementos arquitectónicos que ya existían. Tuvimos que montar sólo algunos decorados para revestir los fondos. Pero en la calle de Moscú de El doctor Zhivago se hizo todo partiendo desde cero. Empezamos a construir sobre un terreno desierto. Se levantaron los edificios, se puso el tranvía, la nieve falsa, se colocó todo detalle hasta que, de repente, parecía aquello de verdad.
-¿Quién fue su maestro?
-Sigfrido Burman, con quien trabajé muchos años, haciendo, con él cine y teatro. Recuerdo que fue una época muy bonita, aquella que hicimos en el Teatro Español, en el María Guerrero y en La Comedia. Aunque yo sea un hombre de cine, lo que me gusta es el teatro. Desde que salí de Bellas Artes estoy en el cine, pero ver teatro es un placer... Yo gano dinero con el cine y me lo gasto, entre otras cosas, viendo teatro.
-¿Cuál es la obra que mejor recuerda?
-El montaje que hice el año pasado con Arsénico y encaje antiguo. También me viene a la memoria la primera versión que hice con Burman de La muerte de un viajante con Carlos Lemos que estaba magistral.

Es interesante comprobar cuánto le interesaba a Gil Parrondo el teatro, también la importancia que le da a los premios sin falsa modestia y cómo recalca que sus dos estatuillas de los Oscar están al lado de los galardones españolas, recuerdo que también tenía los Goya en ese mismo mueble castellano, y por último, el cariño que siempre expresó por Burman, así como su negativa a hablar mal de ningún rodaje, aunque luego en privado, sí dijese que, como es obvio, había directores mejores y otros peores.

21 de abril de 2017

Architecture Film Festival London

En este blog ya se ha escrito sobre festivales de cine y arquitectura internacionales, sobre el pionero de Rotterdam (AFFR), el de Santiago de Chile (AFFS), el de Lisboa (AFFL) y Cinetekton! en México. 
Ahora ha nacido uno nuevo, el ArchFilmFest London que se celebrará entre el 6 y el 11 de junio de este año. Un festival fundado y dirigido por Charlotte Skene-Catling y Manuel Toledo Otaegui, que ha estado en la organización del AFFS, y con un consejo asesor formado por Nigel Coates, Paul Finch, Will Hunter, Stephen Malit, John Maybury y Jane Withers, además ya han elegido a los miembros del Jurado de esta pr4imera edición: Ollie Alsop, Penelope Haralambidou y Daniel Schwartz.
En su página web explican por qué es pertinente un festival de estas características: «La arquitectura y el cine se entrelazan: ambos despliegan ideas narrativas a través del espacio y del tiempo, llevándonos a mundos reales y virtuales; ambos comienzan con la imaginación y luego asumen su propia realidad. Las películas se desarrollan en ciudades, paisajes y edificios donde la arquitectura es una taquigrafía visual, contándonos sobre personajes y argumentos en un instante», además explican lo que es una «película arquitectónica» según ellos:

- Documentales sobre arquitectura / la ciudad
- Documentales sobre arquitectos
- Arquitectos hablando / "cabezas parlantes"
- Películas hechas por arquitectos
- Películas donde la arquitectura / la ciudad / el diseño juegan un papel significante, central o esencial
- Películas que usen la arquitectura icónica de un modo significante.
- Piezas "artísticas" o animadas con un uso directo de la arquitectura / elementos arquitectónicos

En este blog se han apoyado este tipo de festivales, siempre y cuando no sean eventos sin contenido, sino plataformas que sirvan para el debate concienzudo y serio sobre las relaciones entre cine arquitectura y ciudad. Este nuevo festival parece que cumple con esta última condición, por lo que desde aquí se le desea una larga y fructífera trayectoria.

16 de abril de 2017

Cinema Alchemist

Cubierta del libro
Hace más de un mes que no publico en este blog, porque he estado muy ocupado y muy feliz acabando el libro del que hablaba en la última entrada. Una vez finalizado, he empezado a leer Cinema Alchemist, las entretenidas memorias que Roger Christian publicó el año pasado. 
La verdad es que aún no las he acabado y quizás debería escribir sobre este libro cuando lo finalice, pero lo primero que he de decir es que es estupendo que profesionales relacionados con la dirección de arte, el diseño de producción, o como se quiera llamar, escriban sobre sus vidas y su trabajo, hay que recordar My Work in Films de Eugène Lourié, el más reciente The Man with the Golden Eye de Peter Lamont y por supuesto en España La escenografía en el cine escrito por Félix Murcia.
El subtítulo del libro de Christian es Designing Star Wars & Alien -también se añade un texto en la cubierta: «Cómo construí una espada de luz y gané un Oscar»-, por lo que nadie puede sentirse engañado si su autor no se refiere, o menciona solo de pasada, a otras películas en las que trabajó como Una sombra en el pasado y Los Aventureros de Lucky Lady que son tan o más interesantes que La guerra de las galaxias y Alien en cuanto a su escenografía. Cinema Alchemist tiene otro problema, su incondicional y absoluto fervor por George Lucas y, sobre todo, por sus películas de la saga galáctica, por ejemplo, cuando menciona a Akira Kurosawa, su interés por este cineasta, cómo influyó en La guerra de las galaxias, pero como a partir de su estreno, los cineastas dejaron de estar influidos por el maestro japonés, porque sus influencias pasaron a ser directamente la película de Lucas, si esto fuera cierto, sería un síntoma de nuestro tiempo y de los cineastas incultos, que desgraciadamente han existido siempre, los que no conocen a los maestros y creen que el cine nació con las películas que vieron cuando ellos eran niños. 
A pesar de estos "peros", merece la pena leer el libro de Christian que sin duda le interesará a todos los estudiosos de las relaciones entre cine, arquitectura y ciudad.

10 de marzo de 2017

El extraño catódico

La semana pasada Javier Castro Florez publicó en facebook una fotografía con la cubierta de un libro que tiene mi nombre -por cierto, una cubierta preciosa- y la verdad es que por primera vez en mi vida, ha aparecido el diseño de la parte exterior de un libro mío que aún no he terminado de escribir. Un volumen que Javier publicará en la colección ÉCFRASIS de Newcastle Ediciones, perteneciente a su Fundación homónima, por lo que ya se sabe que, como los demás de esta preciosa colección, solo costará 6 euros. 
La fotografía de la cubierta la hizo mi padre en diciembre de 1963, cuando yo tenía siete años, y el castillo que está a mi lado me lo había construido él con la caja de cartón en la que llegó el primer televisor a mi casa, varios meses antes que comenzaran las emisiones en Canarias.
El texto del libro surgió a raíz de un artículo publicado en la revista Metalocus hace ya seis años y que reproduje en este blog, desde entonces he estado trabajando intermitentemente en la relación de los espectáculos domésticos -música, radio, cine y televisión- con el espacio arquitectónico y por eso este último libro tiene el subtítulo «La TV en el espacio arquitectónico», ya que debido a la extensión que pueden tener los libros de esta colección solo estoy escribiendo sobre los orígenes de la televisión.
Un texto que me está costando mucho porque por primera vez y por culpa de mi provecta edad, mis propios recuerdos son una parte importante de lo que estoy escribiendo y nunca he podido evitar el pudor que casi me impide escribir en primera persona, de hecho el artículo que antes mencionaba está escrito en tercera persona, para evitar el posible ridículo que pueden ocasionar unas vivencias sin interés. También es cierto que este es uno de los textos con el que más me estoy divirtiendo y disfrutando, gracias a lo que he aprendiendo y tengo que agradecerle su gran ayuda a Concepción Cascajosa, una de las personas que más sabe sobre televisión, y a María Begoña Sánchez Galán, una experta en todo tipo de publicidad; lo curioso es que estoy descubriendo cosas que viví, pero de las que no era consciente, quizás por la edad que tenía entonces y el lugar donde vivía, en estos peñascos en medio del Atlántico, por lo que estoy teniendo una sensación como de haber sido engañado o de haber estado casi en una realidad paralela...
Esperemos que cuando este libro se publique no desmerezca entre el resto de títulos de la colección y pueda interesarle a quienes tengan curiosidad, entre otros aspectos, por los cambios que puede ocasionar un aparato aparentemente inocuo en el espacio arquitectónico y, por supuesto, en la trayectoria vital de sus moradores.

3 de marzo de 2017

El nuevo Rijksmuseum

Cubierta del DVD
Hace unas semanas comentaba las tres últimas ediciones de la colección arquia/maestros, publicadas por la fundación arquia. Su última edición, aparecida hace muy poco tiempo, es el número 34 de la colección arquia/documental, titulado Cruz Ortiz: El nuevo Rijksmuseum, que recoge el documental Het nieuwe Rijksmuseum dirigido por la cineasta Oeke Hoogendijk en 2014, quien desde 2005 hasta 2013 siguió todos los avatares de la impresionante reforma que sufrió este museo.
El fruto de su trabajo es este documental de noventa y tres minutos, y además según el imdb hay una versión de ciento veinte minutos -en la página web de la directora dice que tiene ciento treinta minutos-, otra de ciento ocho dividida en dos partes y otra más de doscientos catorce, dividida en cuatro partes, dos de ellas, la primera y la segunda, de 2008 y las otras de 2013. Solo he visto el primero mencionado que se publica ahora, por lo que no puedo comentar los demás. 
Ante todo he de reconocer que es una película estupenda, bien narrada y muy entretenida, aunque no sea solo un documental sobre arquitectura, sino que trata sobre otros muchos asuntos, desde el funcionamiento de un centro de arte y su revisión para cumplir con lo que se precisa en el siglo XXI, hasta una crítica de la participación ciudadana, sus consecuencias y límites. 
Su directora ha elegido momentos y personas clave en todo este desarrollo y entre ellas están Antonio Cruz y Antonio Ortiz, los arquitectos españoles que ganaron el concurso previo y dirigieron las obras, a los que no se les puede negar su decisiva intervención en el resultado final y un trabajo arduo en aspectos no solo arquitectónicos, pero a quienes Hoogendijk no les otorga el protagonismo de su película -a pesar de lo que podría suponerse por el título español-, porque la directora va siguiendo la trayectoria durante ocho años a varias personas, entre ellas, un vigilante de la obra, el responsable de la colección oriental, un arquitecto francés que diseña los interiores del museo y que en una escena estupenda se queda dormido en una reunión, y dos directores del museo, uno de ellos con un final doloroso y el otro, su sucesor, que podría ser el héroe de la película y quizás por eso aparece de espaldas en la carátula del DVD original holandés.
El libro que acompaña a esta edición sirve para dar más información sobre el trabajo del Cruz y Ortiz, aportando planos y fotografías, así como el texto de la "laudatio" que hizo Luis Fernández-Galiano cuando el Rey Guillermo I de los Países Bajos les concedió la Medalla de la Orden del León Neerlandés por la obra del Rijksmuseum.
Como siempre hay que agradecer a la fundación arquia su labor en favor de la difusión de la arquitectura y los documentales, y animarles para que continúen editando libros y DVD tan interesantes como éste.
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