27 de noviembre de 2016

Frames Rocío

Presentación de Frames Rocio en BIBLI
Fotografía: Federico García Barba
Hace ya dos semanas que Federico García Trujillo y yo presentamos en BIBLI su bello libro-objeto Frames Rocío. Creo que fue en 2015 cuando me dijo que estaba trabajando sobre el documental Rocío, dirigido por Fernando Ruiz Vergara en 1978, y me encargó que escribiera un texto para un flip-book (conocido en España con el poco prometedor nombre nombre de folioscopio) que iba a ser parte de una obra.
Este documental fue la primera película censurada tras la llegada de la democracia a España, por una denuncia interpuesta el 23 de febrero de 1981, horas antes del fallido golpe de estado, por los familiares de una persona de la que se decía que había asesinado a varias personas en julio de 1936, después de varios años, el Tribunal Supremo obligó a que se cortaran tres secuencias e impidió que se proyectasen, en una sentencia que aún está vigente hoy en día. 
La obra de Federico consiste en la recreación de los fotogramas que componen las secuencias cortadas, dibujándolos a mano, para después montarlos en unas máquinas que ideó para hacerlos pasar uno detrás de otro, de forma que se simula el movimiento de las personas, así logró devolverle su imagen a quienes habían sido perseguidos y censurados. Este proyecto se realizó gracias a la financiación de las convocatorias BCN Producció, Can Felipa Arts Visual y Sala D'Art Jove de Catalunya.
Estas máquinas se expusieron en Barcelona hace un año y como formato alternativo, se editó el flipbook con las imágenes, de forma que pasando las hojas se ve el movimiento de las personas, y dos artículos, uno estupendo, «Imaginarios para la visibilidad», de Ana García Alarcón,  y otro mío titulado «La imagen de los derrotados», del que reproduzco los primeros párrafos:
Miércoles 15 de junio de 1982, Sección Segunda de lo Criminal de la Audiencia Provincial de Sevilla, Pedro Gómez Clavijo testifica que vio por primera vez la película Rocío dos días antes, el lunes pasado, cuando se proyectó para el Tribunal y las partes que intervienen en el juicio oral correspondiente al sumario, instruido con motivo de las supuestas calumnias vertidas en el mencionado documental; declara además que él casi no se reconoce en la imagen y que la voz que se escucha no es la suya. Gómez Clavijo tiene setenta y tres años y el fiscal solicita para él una pena de cuatro años, dos meses y un día de prisión, así como el pago de una multa de dos millones de pesetas.
El acusado niega su propia imagen proyectada en una pantalla, se niega a sí mismo, no se “reconoce” y además dice que su voz no es la grabada en la banda de sonido. Gerard de Nerval escribió en la parte inferior de una pequeña fotografía suya en la que mira a la cámara: “Je suis l’autre”, está claro que Nerval no era su imagen y gracias a Magritte sabemos que una pipa pintada en un lienzo no es una pipa, pero la actitud de Gómez Clavijo evidentemente no obedece a una cuestión intelectual, ni a su ingenuidad o su ignorancia, sino a algo mucho más perverso: al miedo, al pavor a ser encarcelado, el mismo terror sufrido por quienes se enfrentan a tribunales en países totalitarios, por aquellos que han de aceptar una falsa acusación, para aun sabiéndose condenados, intentar salvar a sus familias; una actitud terrible que destruye completamente a quien ha de renegar de sus propias ideas, sabiendo que son ciertas y acatando la mentira oficial.
El artículo completo se puede leer en Academia.edu en español y en inglés.

4 de noviembre de 2016

Panorámicas urbanas: 50 películas esenciales sobre la ciudad

Cubierta del libro
He esperado hasta que mi último libro se hubiera distribuido en las librerías para hablar sobre él, la Editorial UOC, de la Universitat Oberta de Catalunya, acaba de publicarlo, se titula Panorámicas urbanas: 50 películas esenciales sobre la ciudad, y es el número 5 de su colección Filmografías Esenciales, dirigida por Jordi Sánchez Navarro; los cuatro libros anteriores están dedicados a las películas de fantasmas, sobre política, westerns y medicina.
La investigación de las relaciones entre cine y ciudad se puede enfocar desde muy variados puntos de vista, en este caso me interesaba analizar cómo se había mostrado el desarrollo de las poblaciones en las pantallas, desde principios del siglo pasado, para conocer los aspectos, tanto positivos como negativos, de los ambientes habitados por la mayoría de los seres humanos en la actualidad.
En la Introducción me atrevo a plantear una teoría de la ciudad en el cine, estableciendo tipologías y obteniendo conclusiones de las películas analizadas en los siguientes capítulos. La elección de estas películas resultó muy complicada, ya que era un trabajo muy arduo escoger sólo cincuenta entre las miles que podrían emplearse para abordar este tema, para ello había que establecer una reglas rígidas, que consistieron en escoger largometrajes de ficción cuyos argumentos se desarrollaran en años cercanos a su rodaje, eliminando por tanto las pertenecientes a los géneros histórico y de ciencia ficción, que sólo hubiera cinco por década, excepto en los años diez en que la mayoría eran cortometrajes, una sola por cada director, dos por ciudad e intentar abarcar la mayor cantidad de países y continentes posibles.
La selección final es la siguiente:

El hombre mosca (Safety Last, Fred C. Newmeyer, Sam Taylor, 1923) Los Ángeles
La calle (Die Straße, Karl Grune, 1923) CC

Bajo la máscara del placer (Die freudlose Gasse, G. W. Pabst, 1925) Viena
Amanecer (Sunrise, F. W. Murnau, 1927) CC
Asfalto (Asphalt, Joe May, 1929) Berlín

Bajo los techos de París (Sous les toits de Paris, René Clair, 1930) París
M el vampiro de Düsseldorf (M, Fritz Lang, 1931) Düsseldorf
Luces de la ciudad (City Lights, Charles Chaplin, 1931) CC
Scarface, el terror del hampa (Scarface, Howard Hawks, 1932) Chicago
La mujer solitaria (Sabotage, Alfred Hitchcock, 1936) Londres

Qué bello es vivir (It’s a Wonderful Life, Frank Capra, 1946) CC
Alemania, año cero (Germania, anno zero, Roberto Rossellini, 1948) Berlín
Ladrón de bicicletas (Ladri di biciclette, Vittorio de Sica, 1948) Roma
Pasaporte para Pimlico (Passport to Pimlico, Henry Cornelius, 1949) Londres
El tercer hombre (The Third Man, Carol Reed, 1949) Viena

Los olvidados (Luis Buñuel, 1950) México D. F.
Calle Mayor (Juan Antonio Bardem, 1956) CC
Orfeo negro (Orfeu negro, Marcel Camus, 1959) Río de Janeiro
El pisito (Marco Ferreri, 1959) Madrid
Hiroshima mon amour (Alain Resnais, 1959) Hiroshima
Noches blancas (Le notti bianche, Luchino Visconti, 1957) CC

La noche (La notte, Michelangelo Antonioni, 1961) Milán
La batalla de Argel (La battaglia di Algeri, Gillo Pontecorvo, 1965) Argel
Playtime (Jacques Tati, 1968) CC
Memorias del subdesarrollo (Tomás Gutiérez Alea, 1968) La Habana

Amenaza en la sombra (Don't Look Now, Nicholas Roeg, 1973) Venecia
Taxi Driver (Taxi Driver, Martin Scorsese, 1976) Nueva York
Manhattan (Manhattan, Woody Allen, 1979) Nueva York
La conversación (The Conversation, Francis Ford Coppola, 1974) San Francisco
Saint Jack: El rey de Singapur (Saint Jack, Peter Bogdanovoch, 1979) Singapur

Atlantic City U. S. A. (Atlantic City, Louis Malle, 1980) Atlantic City
En la ciudad blanca (Dans la ville blanche, Alain Tanner, 1983) Lisboa
Un tipo genial (Local Hero, Bill Forsyth, 1983) CC
París Texas (Paris Texas, Wim Wenders, 1984) Houston
El vientre del arquitecto (The Belly of an Architect, Peter Greenaway, 1987) Roma

Leaving Las Vegas (Mike Figgis, 1995) Las Vegas
Crash (Crash, David Cronenberg, 1996) CC
La caja china (Chinese Box, Wayne Wang, 1997) Hong Kong
Happy Together (Wong Kar-Wai, 1997) Buenos Aires
El show de Truman (Truman’s Show, Peter Weir, 1998) CC

Lost in translation (Lost In Translation, Sofia Coppola, 2003) Tokio
El mundo (Shijiè, Jia Zhangke, 2004) Beijing
Batalla en el cielo (Carlos Reygadas, 2005) México D. F.
En la ciudad de Sylvia (José Luis Guerín, 2007) Estrasburgo
Slumdog Millionaire (Slumdog Millionaire, Danny Boyle, 2008) Mumbai
Copia certificada (Copie conforme, Abbas Kiarostami, 2010) Lucignano
Medianeras (Gustavo Taretto, 2011) Buenos Aires
El Havre (Le Havre, Aki Kaurismaki, 2011) El Havre
Holy Motors (Holy Motors, Léos Carax, 2012) París
Sólo Dios Perdona (Only God Forgives, Nicolas Winding Refn, 2013) Bangkok

Las siglas CC son una incógnita sencilla que despejarán leyendo el libro, que se puede adquirir en digital y en papel en la página web de la Editorial UOC, y sólo en papel en librerías, como la imprescindible 8 1/2. Espero que este libro sirva para generar y contribuir a un debate necesario, que ayude a desarrollar los estudios sobre las relaciones entre el cine, la ciudad y la arquitectura.

28 de octubre de 2016

Lucien Hervé, fotógrafo a su pesar

Desde que se inició este blog se han ido comentando todas la ediciones que ha realizado la fundación arquia en su colección arquia/documental, la última de ellas, la número 32, es la película Lucien Hervé: Fotógrafo a su pesar (Lucien Hervé, photographe malgré lui) dirigida por el cineasta belga Gerrit Messiaen en 2013, siendo la segunda vez que se edita un documental sobre un fotógrafo tras el dedicado a Julius Shulman.
Hervé es conocido sobre todo por su colaboración y amistad con Le Corbusier, y fue alguien sin el que las obras de este arquitecto no hubieran sido conocidas como lo son en la actualidad. En relación con esta amistad, es una lástima que el director del documental no indague en cómo el arquitecto le indicaba exactamente al fotógrafo cuales debían ser los encuadres precisos que debía elegir. No se debe olvidar que Hervé además fotografió obras de otros profesionales como Aalto, Balladur, Blomstedt, Breuer, Candilis, Écochard, Neutra, Niemeyer, Pingusson, Prouvé, Tange y Zehrfuss.
La película afortunadamente adopta el punto de vista de su protagonista, entrevistando sólo a él y su mujer, pero mientras el fotógrafo está presente. No es ésta la única virtud del documental, también es notable la inclusión de otro fotógrafo, Daniel Rodolf Hervé, el único hijo de Lucien, antagónico a su padre y una especie de contrafigura más moderna y fugaz que le hace sombra y sirve para valorar las obras de ambos oponiéndolas y al mismo tiempo complementándolas.
Como éste es un blog sobre arquitectura y cine, no se debe dejar de mencionar que Hervé también rodó cintas amateur en varios de los numerosos países que visitó, recogiéndose algunos fragmentos en este documental y además en color, algo insólito teniendo en cuenta que la mayoría de su espléndida producción fotográfica es en blanco y negro.También hay que señalar que al finalizar la Segunda Guerra Mundial, Hervé diseñó carteles cinematográficos y trabajó como escenógrafo teatral.
Lucien Hervé: Fotógrafo a su pesar obtuvo en 2013 el premio a la mejor película internacional del Arquiteturas Film Festival Lisboa (AFFL), el segundo premio del Istanbul International Architecture and Urban Films Festival, una mención especial del jurado en el Festival Films sur l'art de Bruselas y el premio del público del Architecture Film Festival Rotterdam (AFFR) y en 2014 una mención especial del Jurado del FIFA Montreal.
Como otras ediciones de arquia/documental, ésta viene acompañada de un libro, cuya selección de textos y contenidos corre a cargo del especialista en fotografía de arquitectura Iñaqui Bergara, quien escribe un texto, seguido de otros dos, uno de Marco Juliano y otro de Zaha Hadid, así como de una entrevista con Hervé de Daniel Naegele. 
Esta edición de la fundación arquia es tan recomendable como las anteriores, teniendo en cuanta además que ésta interesará también a sectores diferentes al de la arquitectura.

21 de octubre de 2016

Escenografía y nuevas tecnologías

Imagen de La Charrette
Estoy preparando una conferencia titulada «La tecnología en el diseño y construcción del espacio cinematográfico», que impartiré en el curso «Las nuevas tecnologías y el cine: Nueva mirada desde la escritura y el análisis narrativo a la exhibición y los impactos en la producción fílmica», de la Universidad Internacional Menéndez Pelayo, dirigido por Aurelio Carnero Hernández y cuyo secretario es Guillermo Canero Rosell, que se impartirá en la sede de Tenerife entre los días 21 y 24 de noviembre de este año.
Es significativo que las llamadas nuevas -aunque ya no lo sean- tecnologías digitales en el cine se asocien, sobre todo, con lo que se han denominado efectos especiales, aunque se empleen no sólo para recrear fenómenos atmosféricos adversos y explosiones, sino también directamente para la creación de espacios, que es la función principal del escenógrafo, o director artístico, o diseñador de producción, según como se quiera denominar.
Es evidente que una película es el resultado de la suma de los esfuerzos de muchos profesionales, desde el guionista al montador, que han de ser coordinados por el director, cuando esa coordinación falla, es errónea o no tiene el vigor necesario, cada uno de los profesionales trabaja por su cuenta, no se llega a lograr una unidad coherente y eso se nota en el resultado final de la película. Casi siempre los escenógrafos han tenido fricciones con los directores de fotografía, que han llegado a modificar el color de los ambientes ideados por sus creadores, como también los responsables de las cámaras han tenido problemas para introducirlas en los espacios de rodaje y con la colocación de las fuentes de luz, por culpa de decorados mal diseñados.
En Estados Unidos y otros países, los diseñadores de producción coordinan también el vestuario de los intérpretes y en algunos casos los efectos especiales, una consecuencia lógica de su papel como creadores de todo el aspecto visual de una película y algo que todavía no ocurre en España. Afortunadamente en nuestro país hay profesionales de la escenografía que abogan por esa unión imprescindible, uno de ellos es Joan Artí que en su interesante blog La Charrette ha publicado ya algunas entradas sobre este tema, como ésta. Esperemos que pronto este desfase se corrija en nuestro país, posiblemente gracias a personas como Artí.

13 de octubre de 2016

Enrique Alarcón, entrevista de 1985

Enrique Alarcón.
Fotografía: La Vanguardia, 1985
Estos días estoy preparando una conferencia titulada «Cervantes y Don Quijote en las pantallas cinematográficas», y he vuelto a ver el estupendo trabajo que hizo Enrique Alarcón creando los ambientes del Quijote que dirigió Rafael Gil
En este blog ya he escrito sobre otros directores artísticos españoles, como Benjamín Fernández, Antxón Gómez, Herbert Lippschitz, Félix Murcia, Alfonso de Lucas y Gil Parrondo, pero todavía no había mencionado a Alarcón, que fue uno de los primeros escenógrafos cinematográficos de nuestro país que fue homenajeado y reconocido, de hecho, el primer libro español sobre un director artístico lo coordinó Andrés Linares sobre Alarcón y fue editado por el Festival de Cine de Alcalá de Henares de 1984 en el que se le hizo un homenaje.
Hace poco, encontré una entrevista, «Enrique Alarcón, un decorador de cine que recibe los encargos más insólitos», que le hizo Albert Mallofré en La Vanguardia en 1985 y transcribo una parte, porque creo que es interesante:

Desde su Campo de Criptana pasó a Madrid de muy joven para estudiar arquitectura pero una amistad casual con Imperio Argentina y Florián Rey le indujo al estudio del diseño, la perspectiva, la óptica y la geometría del espacio aplicado al cine. Ideó nuevos sistemas de trucajes escénicos y técnicas ingeniosas para efectos especiales, todo ello partiendo de cero, dado el aislamiento en que se encontraba el país en la inmediata posguerra. Su entrada definitiva en el cine fue en 1940, con la película Marianela. Desde entonces ha obtenido 14 Premios Nacionales, 8 del Círculo de Escritores cinematográficos y la Orden del Mérito Civil. En octubre del año pasado recibió un homenaje nacional en Aranjuez...
“Me alarmó mucho tanto homenaje —confiesa— . Pensé que una cosa así sólo le ocurre a uno cuando ya está difunto. Y mire por dónde, al día siguiente, mientras estaba observando un palacio abandonado, para unas localizaciones de la película Padre nuestro. me cayó encima, desde lo alto, una carretilla de piedras, que me dejó listo para funerales. Los médicos dicen que he vuelto a nacer.”
Parecía que con el accidente se había truncado su carrera pero ha podido terminar su trabajo en Padre nuestro y está nuevamente metido de lleno en el cine, después de haber trabajado en 316 películas y en 34 obras de teatro, con directores de la talla de Abel Gance, Henri Decoin, Christian Jaque, Jules Dassin, Alan J. Pakula, Nicholas Ray, Anthony Mann, Terence Young, Peter Yates, King Vidor, Just Jaeckin. Y entre los españoles: El clavo, Don Quijote y Reina Santa, de Rafael Gil; Los golfos, Llanto por un bandido, de Saura; Los jueves, milagro, La vaquilla, de Berlanga; Calle mayor, Muerte de un ciclista, La venganza, El poder del deseo, de Bardem; Tristana, Ese obscuro objeto del deseo, de Buñuel...
—Pero últimamente parece que se decora menos. Muchas películas se ruedan en espacios naturales y en edificios concretos.
—Se ha pasado de un extremo al otro. Creo que se había abusado construyendo espacios de estudio que se podían localizar fácilmente. Pero también se ha estado abusando de lo contrario, metiendo las cámaras en edificios estrechos, donde no pueden apenas moverse ni trabajar adecuadamente. Pero ahora se están potenciando otra vez los estudios, de tal manera que Pinewood, Cinecittá y todos los demás se encuentran sobreocupados.
Enrique Alarcon fue siempre un innovador. desde sus días barceloneses de Trilla y Orphea, repudiando los materiales falsos y las imitaciones vulgares. Ideando sistemas como el “travelling” aéreo, o el forillo de celaje pintado con aerógrafo, (incluso de tamaño gigante, en superficie de ciclorama) o la maqueta corpórea, o el sistema de cuñas para la base de la cámara a fin de que pueda girar sobre su eje óptico o, el llamado “espejo—cristal”.
Infatigable, ha tenido tiempo para proyectar además 41 edificios importantes y para dirigir el Inventario del Patrimonio Arquitectónico de la provincia de Ciudad Real.
—Y ahora estoy proyectando un palacete de estilo ibicenco para el príncipe Alí, de Kuwait,que quiere que sea “de cine”, como suele decirse. Por cierto, que he tenido muchas dudas, porque por ejemplo ¿cómo colocar los dormitorios de sus múltiples esposas? El mismo príncipe me sacó de dudas: “póngalas lejos, lo más lejos posible de mis habitaciones, al otro extremo del edificio. Que no estorben.

Hasta aquí la entrevista. Enrique Alarcón Sánchez-Manjavacas recibió el Goya de Honor en 1991 y hasta ahora ha sido el único director artístico que según la Academia de Cine española ha merecido obtener ese galardón, increíble pero cierto. Falleció cuatro años después.

6 de octubre de 2016

Cruces críticos

El jueves pasado, el 29 de septiembre, tuve la suerte de estar en el ciclo que ha organizado el gran Fredy Massad en el Roca Barcelona Gallery, titulado Cruces Críticos: La Arquitectura y otros puntos de vista.
Ante todo se debe decir que el Roca Barcelona Gallery está en un edificio espectacular, creado por el estudio Office of Architecture in Barcelona (OAB) de Carlos Ferrater, en el que continuamente se están realizando actividades y siempre hay una exposición, ahora mismo la titulada Recuerdos de infancia, la memoria del diseño, sobre objetos que influyeron en su niñez a diseñadores de moda y arquitectos.
El concepto de Cruces Críticos es un debate entre un arquitecto y una persona de otro ámbito profesional, moderados por Massad, que según sus organizadores: «tiene el objetivo de proporcionar a los profesionales un contenido de reflexión y sensibilización sobre su propia profesión».
Ya se habían celebrado dos encuentros, el primero,denominado La crítica como herramienta de pensamiento, el 12 de mayo, con Miguel Ángel Alonso del Val y Daniel Giralt-Miracle; y el segundo tuvo lugar el 9 de junio, se tituló La obligación de la crítica en el tiempo de lo efímero y reunió a Victoria Camps con Josep Lluís Mateo.
El título de la sesión en la que intervine fue La crítica como desestabilizador necesario y estuve con Jordi Costa, que estuvo tan brillante como siempre; en el texto de presentación dice lo siguiente: «esta penúltima conversación abordará la necesidad de la crítica como un factor de reflexión virulento y provocador, tanto para el conocimiento como para la controversia, y cómo reinventar su formulación dentro de las actuales estructuras culturales y mediáticas». La verdad es que el encuentro no fue muy virulento, ni provocador, pero sí creo que pudo resultar interesante lo que se dijo, así como las intervenciones del público. Parece ser que pronto colgarán online todo el debate por lo que se podrá comprobar esta última afirmación.
La última sesión se celebrará el próximo 20 de octubre y reunirá a Rosa María Calaf con Santiago Fajardo, se titula La crítica frente a la cultura mediática, y según el texto que acompaña a la presentación: «ambos especialistas nos brindarán sus meditaciones más profundas acerca del impacto en la cultura mediática sobre las estructuras de la sociedad actual, es decir, como las narraciones y ficciones contemporáneas han modificado e incluso destruido los valores de la realidad para la sociedad».
Siento estar tan lejos de Barcelona, porque estoy seguro que este debate será muy interesante tanto para los arquitectos, como para cualquier tipo de público. Esperemos que este ciclo tan necesario, ideado por Fredy Massad, y que ha tenido una buena acogida de público, se siga realizando durante el próximo año, en el que además se celebrará el centenario de la empresa Roca.

23 de septiembre de 2016

La pantalla, límite entre realidad y ficción

Portada de Anales, nº 8, 2015
No había escrito en este blog sobre mi incorporación a la Real Academia Canaria de Bellas Artes de San Miguel Arcángel, para la que fui elegido el 13 de febrero de 2014 y el acto de ingreso se produjo el 26 de febrero del año pasado, tras mi discurso de ingreso, titulado «La pantalla, límite entre realidad y ficción», y el posterior discurso de contestación del arquitecto y académico Federico García Barba, titulado «Espacio, arquitectura, escenografía y lugar». 
Fui elegido el segundo académico de número de la Sección de Cine, Fotografía y Creación Digital, tras la entrada del gran fotógrafo Efraín Pintos Barate, y el primero en la modalidad cinematográfica.
No tendría mucho sentido publicar esto ahora, si no fuera porque la Academia ha editado el número ocho de su revista Anales que, tal como indica su título, aparece con periodicidad anual, correspondiente a 2015 y en ella se publican mi discurso y el antes mencionado de García Barba. 
Como la revista se encuentra en línea gratuitamente aquí, es posible que a alguien pueda interesarle estos dos textos, el primero sobre un elemento importante en el cine y que cada vez está más presente en la vida cotidiana, y el segundo sobre las relaciones entre el cine y la arquitectura.

16 de septiembre de 2016

CINETEKTON! 2016

Hace casi un año que tuve la suerte de ir a Puebla para participar en la segunda edición del festival CINETEKTON!, una experiencia inolvidable que ya comenté en su momento en este blog, así como también escribí sobre la primera edición.
Unas semanas atrás los organizadores del Festival colgaron un vídeo en facebook en el que aparece una parte del encuentro que mantuve en la sede de la Alianza Francesa con el director chileno Bruno Salas, cuyo documental Escapes de gas, inauguró el festival, así como una pequeña entrevista conmigo hablando del CINETEKTON! 
En éste vídeo se ve a cineastas y arquitectos que conocí allí, a los que admiro y todavía sigo, como Marlen Mendoza, Diego Vargas y Janeth Aguirre, sin embargo, no aparecen otras personas fundamentales como Iván Contreras, que sigue siendo el "alma mater" del festival, Guillermo Nieto Ross, que espero esté muy bien allí donde esté, Sandra Guevara, Milka Ibáñez, Daniela Leyva, nuestra guía Cecilia Ramírez y el gran Eugenio Caballero.
Ya se ha anunciado parte del programa de la edición de este año, que se celebrará entre el 28 y el 2 de octubre, estará dedicado a la resilencia urbana y parece muy interesante, cargado de buenas películas y actividades tan importantes como el taller de diseño de producción, de escenografía cinematográfica, que van a impartir la historiadora especializada en escenografía Elisa Lozano, de la que ya he hablado en este blog por su excelente libro sobre Manuel Fontanals, el director Fernando Eimbcke y la diseñadora de producción Diana Quiroz. En el texto informativo escriben que su objetivo es «mirar, desde el diseño de producción, a la ciudad, la unidad habitacional, la vecindad, las habitaciones y los objetos que construyen las historias, para entender la visión que el realizador tiene de los mundos que construye».
Estoy seguro que este año CINETEKTON! será al menos tan apasionante como el pasado, y siento estar tan lejos, pero lo recomiendo, porque es una oportunidad única para seguir ahondando en las relaciones entre el cine, la arquitectura y la ciudad.

9 de septiembre de 2016

Escenarios del Cine Histórico

El miércoles pasado se clausuró el V Congreso Internacional de Historia y Cine, que en esta edición llevaba el subtítulo: «Escenarios del Cine Histórico», y que desde el lunes se desarrolló en el campus de Getafe de la Universidad Carlos III de Madrid, patrocinado por un Proyecto de Investigación I+D+i del Ministerio de Economía y Competitividad, del Gobierno, organizado por la mencionada universidad, las de Santiago de Compostela y Barcelona, Centre d'Investigacions Film-Historia, ICyT, UC3M Campus Excelencia Internacional y el Comité Español de Historia del Arte.
La estructura del Congreso fue la habitual, con ponencias de especialistas por la mañana y las comunicaciones por la tarde. La primera ponencia fue la del escenógrafo Félix Murcia, titulada: «La expresividad visual de los escenarios históricos», la de clausura se tituló «Escenarios arquitectónicos: Entre lo real y la ficción» y la dicté yo. Pude asistir a todas las ponencias y puedo aseguro que en todas ellas aprendí nuevos aspectos del llamado género histórico.
Desgraciadamente, por asuntos personales, no pude estar en las comunicaciones que se expusieron por la tarde, de todos modos, era imposible oírlas todas, porque había más de cien y tuvieron que hacer coincidir varias al mismo tiempo, en siete mesas diferentes, sí pude estar en la de María Begoña Sánchez-Galán y si todas tuvieron su nivel, estoy seguro que me perdí algo muy importante. No voy con frecuencia a congresos de este tipo, pero me sorprendió que muchos de quienes presentaron comunicaciones no asistieron a las ponencias, ni participaron en los debates posteriores, como si lo importante sólo fuera el hecho de haber presentado su comunicación para incluirlo en sus currículos y supongo que recibir créditos, puntos o como se llamen; también es verdad que algunos ponentes tampoco asistieron a las de sus compañeros.
Afortunadamente se van a publicar todas las ponencias y las comunicaciones en soporte digital y además en papel, en un volumen que aparecerá pronto, lo cual es de agradecer en estos años de penuria.
En los congresos siempre hay alguien que asume un difícil papel en la organización, siendo su cara visible y quien además ha de resolver los problemas más extraños y a veces casi increíbles, en este, esa persona fue la profesora Gloria Camarero y lo desempeñó de una forma completamente modélica.
Como decía al principio, este es el quinto congreso de historia y cine, pero dado su éxito, estoy seguro que pronto se convocará el siguiente, así que estén atentos.

2 de septiembre de 2016

Wright y el negocio cinematográfico

John Lautner trabajando detrás de Frank Lloyd Wright
Las relaciones de Frank Lloyd Wright con el cine son numerosas, en este blog ya se han tratado las de cineastas como Nicholas Ray y David Lynch con el arquitecto, además sus edificios se han usado como lugares para rodar películas y en mi tesis doctoral escribí sobre la Casa Ennis-Brown y sus numerosas apariciones en las pantallas como escenario en películas muy variadas.
Ahora estoy estudiando el trabajo de John Lautner y en una entrevista he encontrado una curiosa anécdota sobre Wright y el negocio de los grandes estudios gracias a la distribución. 
Lautner declaró que Wright: «tenía su propio teatro en Wisconsin y también en Arizona, y mientras yo estaba allí como aprendiz, teníamos todas las películas europeas, que eran fantásticas. Mr. Wright amaba los dibujos animados rusos y las películas francesas de René Clair, y vimos lo mejor. Pero no pudimos conseguir las mejores películas americanas debido a sus sistemas de distribución. Requieren que alquiles una mala, junto a una buena. Por lo que acabó por decir al diablo con ellos, desde hace años. Pero, finalmente, hizo un viaje aquí [se refiere a Hollywood] y lo llevé con el expreso propósito de romper el sistema de distribución de películas; lo que nadie más podría intentar. Era muy divertido. Sin ninguna cita en absoluto, entrábamos en todas las principales oficinas de los grandes estudios de cine. Mr. Wright decía: "Bueno, no creo que usted sepa quién soy, pero soy Frank Lloyd Wright, y tengo un lugar en Arizona y un pequeño teatro". Casi todos sabían quién era y le decían, "Oh, sí. Por supuesto que lo conocemos, porque ha sido una celebridad durante cincuenta años, mientras que el promedio de una estrella cinematográfica sólo es de cinco o diez años". Así se ven las cosas desde el punto de vista empresarial. Por eso tenía un montón de interesantes conversaciones con diferentes personas acerca de romper el sistema de distribución. Sin embargo, a pesar de que eran dirigentes de determinados estudios, los primeros cuatro o cinco que fuimos a ver no pudieron hacer nada. Estaban atados a causa de ese sistema. Pero lo que ocurrió fue que finalmente fuimos a ver a un hombre que era dirigente -no sé si de la MGM u otro estudio-, y tenía el verdadero control de la distribución de las películas a los cines y podría hacer lo que fuera. Era el jefe. Así que Mr. Wright empezó a hablar con él sobre el problema, él lo interrumpió y dijo: "Yo sé todo sobre usted porque he mantenido un registro de toda su vida. Yo iba en un barco a Yokohama con usted" -cuando estaba construyendo el Hotel Imperial- este hombre tenía el hobby de hacer el seguimiento de todos los pasajeros de ese barco a Yokohama. Frank Lloyd Wright era uno, Franz Werfel y varias otras personas estaban en ese barco. Tenía todo lo que le había pasado a todas estas personas, su historia completa. Así que naturalmente nos dio una buena acogida y después dijo, "Bueno, ¿Qué quiere?" Mr. Wright dijo que quería tener buenas películas sin tener que alquilar las malas o tener que hacer cualquier otro negocio absurdo. El hombre dijo: "Todo lo que quiera, sin cargo, en cualquier momento". Así rompió el sistema de distribución y pudo conseguir buenas películas americanas».
Este sistema de distribución que en España se llamaba "por lotes" estuvo vigente durante muchos años y aunque lo prohibió la Comunidad Económica Europea, los distribuidores siguieron obligando a los exhibidores -a los dueños de los cines- a que alquilasen películas malas y poco comerciales, si querían tener otras más comerciales.
Related Posts with Thumbnails